PARIS.- Christie's presents its sales dedicated to classical and decorative arts through The Exceptional Sale and The Collector: Le Goût Français on November 24th. After the cartes blanches given to renowned gallery owners, collectors and artists, such as Hervé Van der Straeten, Elie Top or Kamel Mennour, Christie's has chosen the artist Louis Cane to bring a new perspective to these two iconic sales of the Classic Week.

The Exceptional Sale features outstanding pieces with unique origins and stories. One of the highlights of this sale will be André- Charles Boulle's Louis XIV period "Aux Saisons" cabinet on legs (estimate €500.000-1.000.000). Dating from the 1670s, this extraordinary cabinet illustrates the genius of Louis XIV's cabinetmaker. Other known copies are kept at the J.-Paul Getty Museum in Malibu, the Wallace Collection in London and Drumlanrig Castle in Scotland. Decorated in chased bronze, this sumptuous cabinet with drawers rests on a sculptural base supported by two terminal figures representing Ceres and Bacchus. Part of the prestigious Aga Khan collection, this lot will attract the attention of the most demanding collectors.

Lot 1005. Cabinet "Aux Saisons" d'époque Louis XIV par  André- Charles Boulle, vers 1670-1675. H.: 189 cm. (74 ½ in.) ; L.: 119 cm. (46 ¾ in.) ; P.: 61 cm. (24 in.). Estimate EUR 500,000 - EUR 1,000,000 (USD 591,441 - USD 1,182,883). © Christie's Images Ltd 2020. 

En bois mouluré, sculpté, relaqué rouge et partiellement doré, placage d'ébène des Indes, marqueterie de cuivre, étain, grenadille, épine vinette, houx, buis, alisier, noyer, loupe d'if, nerprun, amarante, padouk, gaïac, corne teintée bleu, écaille de tortues caret et franche et ivoire d'éléphant, ornementation de bronze ciselé et doré, à décor de larges feuilles d'acanthe, fleurs et oiseaux, la partie haute présentant un ressaut central appliquée en façade d'un premier tiroir d'une médaille de Louis XIV en profil inscrit dans un trophée militaire, et ouvrant par douze tiroirs répartis de part et d'autre d'un vantail surmontant un quatorzième tiroir et découvrant un petit théâtre orné d'une figure de musicien, les côtés munis de miroirs et ouvrant par un tiroir, chacun des côtés orné d'un vase richement fleuri posé sur un entablement, le piètement ouvrant par un tiroir en ceinture et soutenu par deux figures de terme réprésentant Cérès et Bacchus, le fond et la plinthe ornés de tableaux de vases fleuris pour le premier et de réserves unies dans des encadrements de coquilles et feuillage pour la deuxième ; quelques remaniements à la base.

One of the other highlights of this sale will be an impressive Japanese armor of the Uchidashi Nimai-Dô type, in natural iron, dating from the 17th-18th century (estimate €70,000-100,000). It bears the coat of arms used by two younger branches of the powerful Nabeshima clan: that of Kashima (⿅島) and that of Hasuike (蓮池). Imposing and finely crafted, this armor includes a helmet with 62 natural iron slats and comes with a luxurious transport case called Yoroi Bitsu. This particularly precious and rare lot perfectly illustrates the essence of The Exceptional Sale.

Lot 1019. Uchidashi Nimai-Dô Gusoku, Japon, XVIIème-XVIIIème siècle. Estimate EUR 70,000 - EUR 100,000 (USD 82,802 - USD 118,288). © Christie's Images Ltd 2020

L’armure en suite est de type uchidashi nimai-dô en fer naturel. Elle porte les armoiries utilisées par deux des branches cadettes du puissant clan Nabeshima 鍋島 en Hizen 肥前, celle de Kashima 鹿島 et celle de Hasuike 蓮池.

Hubert Robert's work of exceptional proportions, Caprice architectural avec un escalier en pierre monumental animé de personnages, is striking because of its outstanding characteristics. The largest known version of staircase composition, this oil painting from a Parisian collection (estimate €200,000 - 300,000) reveals a reiteration of a recurring theme in Robert's work, and appears as a brilliant example of his art in its great maturity. Hubert Robert grants the ruins a philosophical dimension, almost emotional, which Diderot described as "poetics of ruins". By joining in his paintings ordinary life and ancient ruins, the artist wished to depict the continuity of existence, the passing of time, and leaves his mark in history.

Lot 1003. Hubert Robert (Paris 1733-1808), Caprice architectural avec un escalier en pierre monumental animé de personnages, huile sur toile, 261 x 196 cm. (102 ¾ x 77 1/8 in.). Estimate EUR 200,000 - EUR 300,000 (USD 236,577 - USD 354,865). © Christie's Images Ltd 2020.

Provenance: Partie du décor d’un Hôtel particulier du VIIème arrondissement à Paris (d’un ensemble de six toiles d’après la tradition familiale), avant le début du XXe siècle.
Transféré au début du XXe siècle au Château de Digoine (Saône-et-Loire), jusqu’à l’extrême fin du XXe siècle.
Resté depuis par descendance dans la famille dans une propriété angevine.

La plus grande version connue de composition d’escalier

A plusieurs reprises, le peintre Hubert Robert s’est attaché à décrire des escaliers monumentaux dans de puissantes compositions donnant à l’architecture une place triomphale. La version la plus proche de celle-ci, mais de moindre dimension (toile, ovale, 41 x 33 cm.), se trouvait dans la collection Jacques Doucet au début du XXe siècle1. La version Doucet présentait un palais italien très similaire sur la droite, avec un obélisque et un temple sur la gauche au lieu de la colonne inspirée de la colonne trajane dans notre tableau. D’autres compositions semblables existent également, articulées autour d’un escalier pris en légère contre-plongée comme si l’artiste les avait observés sur le motif, assis au pied des monuments, lors de son séjour à Rome. Citons notamment l'impressionnant escalier bordé d’un obélisque conservé au musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg2, ou encore celui passé en 2016sur le marché new-yorkais3. Notre version se distingue cependant de ces dernières par son format volumineux, le plus imposant de tous, laissant présager une commande importante, certainement issue d’une série formant un grand décor.

"Robert des ruines"

Si le motif de l’escalier connaît une résurgence plus soutenue dans le corpus de l’artiste au tournant des années 1770-1775 alors qu'Hubert Robert travaillait au château de Versailles et observait régulièrement l’escalier - aujourd’hui disparu - des Ambassadeurs, notre peinture se comprend surtout comme un éclatant exemple de l’Art de Robert dans sa grande maturité, l’Art de « Robert des ruines ».

Plus encore que Piranèse ou Panini qui comptaient parmi les artistes admirés par le maître français et l’ayant largement incité à entreprendre le voyage à Rome, Robert donna aux ruines une dimension plus philosophique, presque émotionnelle, que Diderot décrivit sous le terme de « poétique des ruines ». « Nous attachons nos regards sur les débris d’un arc de triomphe, d’un portique, d’une pyramide, d’un temple, d’un palais ; et nous revenons sur nous-mêmes, nous anticipons les ravages du temps ; et notre imagination disperse sur la terre les édifices mêmes que nous habitons. (…) Et voilà la première ligne de la poétique des ruines. »4, écrivait-il au sujet d’un tableau de Salon d'Hubert Robert5.

En mêlant ainsi dans ses peintures la vie ordinaire aux ruines antiques, l'artiste montre en réalité la continuité de l’existence, le temps qui passe et laisse son empreinte dans l'histoire. Il confère aux ruines une sorte de rôle d’allié qui invite au dialogue, à une réflexion permanente entre la Beauté d’hier et d’aujourd’hui. Dans notre tableau, la poésie du quotidien participe à la grandeur des siècles passés ; une femme allaite son bébé, adossée à un obélisque renversé aux hiéroglyphes mystérieux.

Une provenance parisienne

Provenant d’un hôtel particulier du VIIème arrondissement de Paris, notre tableau aurait, selon la tradition familiale, fait partie d’une série de six toiles peintes pour le lieu. Un tableau de même format (260 x 196 cm.) a surgi sur le marché parisien en 2008 6 et pourrait avoir appartenu au même décor. Ce tableau représentait un paysage mettant en avant la nature et au second plan des bâtiments imaginaires, pouvant rappeler un aqueduc et une forteresse abandonnée. Formant un juste équilibre entre beauté de la nature et poétique des ruines, les deux tableaux faisaient probablement partie d'un décor imaginé par Hubert Robert qui cherchait, comme dans son décor peint pour 'épondre à la folie du comte d’Artois à Bagatelles, mettre tour à tour en avant nature et éléments d'architecture.

Au crépuscule du dix-huitième siècle, la symbolique de la nature et des paysages aux ruines imaginaires pouvaient en effet offrir des pistes de réflexion similaires sur les dernières heures de l'Ancien Régime qui allait se renouveler, tout comme la Nature et les grandes Civilisations qui forment également un cycle continu.

Notre tableau a ensuite orné les murs de la salle à manger du château de Digoine en Sôane-et-Loire pendant près d'un siècle, participant à la splendeur des lieux.

1. voir vente de la collection de Jacques Doucet, Paris, Galerie Georges Petit, 6 juin 1912, n°181.
2. voir I. S. Nemilova, The Hermitage Catalogue of Western European Painting. French Painting (…), Moscou, 1986, p. 283, cat. n°206, reproduit
3. Voir vente anonyme, New York, Sotheby’s, 29 janvier 2016, n°534, reproduit.
4. D. M. Bukdahl (éd.), Diderot. Salons III. Ruines et paysages. Salon de 1767, Paris, 1995, p. 335.
5. Voir A. Scnhapp “ ‘Robert des ruines’. Le peintre face aux monuments » dans Hubert Robert 1733-1808. Un peintre visionnaire, [cat. exp.], Paris, 2016, p. 86.
6. vente anonyme, Paris, Hôtel Drouot [Me Piasa], n°87, reproduit


The largest known version of a stairway composition

On several occasions, Hubert Robert dedicated his paintings to monumental flights of stairs in powerful compositions giving a triumphal place to architecture. The closest version to this one, but smaller in size (canvas, oval, 41 x 33 cm.), was part of Jacques Doucet’s collection at the beginning of the 20th century1. The Doucet version featured a very similar Italian palace on the right, with an obelisk and a temple on the left instead of the column inspired by the Trajan’s column in our painting. Other similar compositions also exist, composed around stairs taken in a slightly low angle as if the artist was actually painting from life, looking up at them, sat at the foot of the monuments, during his time in Rome. Great examples include the impressive stairway next to an obelisk conserved at the State Hermitage Museum in Saint Petersburg2, as well as the painting of the same subject that found itself on the New York market in 2016 3. However, our version stands out from the latter two by its large format, the most imposing of all, which suggests that it was part of a big commission, most certainly one of a series forming a large decor.

"Robert of the Ruins"

If the subject of stairways reappeared on several occasions in the corpus of the artist in the years 1770-1775 when Hubert Robert was working at the Château de Versailles and often observed the Ambassadors’ staircase, which no longer exists, our painting is above all a brilliant example of the Art of Robert in his period of great maturity, the Art of "Robert of the Ruins".

Even more than Piranesi or Panini who were amongst the artists that the French painter admired and who played a big part in his decision to visit Rome, Robert gave ruins a more philosophic, almost emotional dimension, that Diderot described as the "poetic of ruins". On the subject of a Salon painting by Hubert Robert4, he wrote, "Our gaze is drawn to the debris of an arc de triomphe, a gateway, a pyramid, a temple, a palace; and we come back to ourselves, we anticipate the ravages of time; and our imagination disperses onto the earth the very edifices that surround us. (…) And that is the first line of the poetic of ruins.".5

By combining in his paintings the ordinary life and ancient ruins, in reality Robert shows the continuity of existence, time that passes and leaves its mark in History. He gives the ruins something of the role of an ally, encouraging dialogue and constant reflection upon the Beauty of the past and of the present. In our painting, the poetry of everyday life participates in the grandeur of bygone centuries; a woman breastfeeding her baby, turning her back to an obelisk engraved with mysterious hieroglyphs.

A Parisian provenance

Our painting comes from a private hôtel particulier in the 7th arrondissement of Paris and, according to family tradition, was part of a series of six works painted for the premises. A painting of the same format (260 x 196 cm.) appeared on the Parisian market in 2008 6 and may have belonged to that same decor. The latter represented a landscape making the apology of nature, with a background of imaginary edifices resembling an aqueduct and an abandoned fortress. Forming a harmonious balance between beauty of nature and poetic of ruins, the two paintings were probably part of a decor imagined by Hubert Robert who sought, like in his decor painted to satisfy the folly of the Count of Artois in the Château de Bagatelles, to highlight, in turn, nature and elements of architecture.

At the dusk of the eighteenth century, the symbolic of nature and landscapes with imaginary ruins could indeed offer similar lines of thought about the final hours of the Ancien Régime which was going to renew itself, just like Nature and the great Civilizations also take part in a continuous cycle.

Years later, our painting also took up residency in the dining room of the Château de Digoine in Sôane-et-Loire for almost a hundred years, contributing to the splendour of the premises.

An unusual set of objects will come to close this sale: the gold baton of Marshal of France from Marshal Juin (estimate €20,000 - 40,000), and the matching lipstick case in enamel and diamonds (estimate €2,000 -3,000).

Works of art created by great goldsmiths, highest symbols of military power, marshal's batons have a strong symbolic dimension, like regalia. Evolving through the centuries and political regimes, they were stud with fleurs-de-lis under the Ancient Regime, decorated with eagles or bees under the Empire, before being ornated with stars during the Republic. This baton here, which belonged to Marshal Juin (1888-1867), was probably made by the Arthus-Bertrand goldsmiths, like other specimens kept at the Musée de l'Armée, dating from the same period.époque. Almost 40 cm long, it is covered with 'bleu de France' velvet, and studded with 30 five-branch stars.

Remarkably, this lipstick case is a nod to the marshal's baton. By using the same cylindrical shape with the famous gold stars on a royal blue background, this precious and unique miniature copy belonged to the wife of Marshal Juin, Marie-Cécile Bonnefoy. The subtle martial symbolism, intrinsic to the marshal's baton, is here overthrown by the symbolism of love and beauty, in an aesthetic symbiosis, poetically recalling the union of Mars and Venus.

Lot 1015. Bâton de maréchal de France en or du Maréchal Juin (1888-1967), Paris, vers 1952, probablement par Arthus-Bertrand. Longueur: 40 cm. (15 ¾ in.). Poids d'une virole: 157 gr. (5.04 oz.) et poids brut: 769 gr. (24.72 oz.) Estimate EUR 20,000 - EUR 40,000 (USD 23,658 - USD 47,315). © Christie's Images Ltd 2020

L'âme probablement en bois garni de velours bleu roi, semé de trentes étoiles, l'intérieur en cuir bleu avec un document, une extrémité appliquée d'un maure et de la devise des maréchaux "TERROR BELLI DECUS PACIS", au sommet un trophée avec le coq français, la seconde extrémité dévissable, orné de guirlandes de perles et de feuilles de laurier, appliqué d'un arc de triomphe, et portant l'inscription "AU MARECHAL JUIN / LE MAROC RECONNAISSANT", au sommet le drapeau marocain, poinçons sur les extrémités: titre 18K (750) et orfèvre ; dans un coffret rectangulaire en verre et laiton, orné d’étoiles sur ses coins supérieurs.

Provenance: Alphonse Juin (1888-1967), maréchal de France ;
Puis par descendance jusqu'au propriétaire actuel.

BIBLIOGRAPHIE COMPARATIVE: J. Valynseele, C. Brun, E. Jauffret, Dictionnaire des maréchaux de France, du Moyen-Age à nos jours, Perrin, 2001.

Note: Objets d’art réalisés par de grands orfèvres, emblèmes suprêmes du pouvoir militaire, les bâtons de maréchal possèdent une forte dimension symbolique à l’instar des regalia. Evoluant au fil des siècles et des régimes politiques, ils sont parsemés de fleurs de lys sous l’Ancien Régime, décorés d’aigles ou d’abeilles sous l’Empire avant d’être ornés d’étoiles sous la République. Le bâton présenté ici, ayant appartenu au maréchal Juin (1888-1867), a probablement été réalisé par la maison d’orfèvrerie Arthus-Bertrand comme d’autres exemplaires conservés au Musée de l’Armée, datant de la même époque. Mesurant près de 40 cm, il est recouvert d’un velours bleu de France semé de 30 étoiles d’or à 5 branches. Notre exemplaire est d’une taille légèrement réduite, avec des étoiles moins larges, comparativement aux modèles habituels qui mesurent 52 cm selon la codification établie par le maréchal de Belle-Isle en 1758. D’une richesse exceptionnelle, les viroles et les étoiles sont ici en or et non en vermeil ou en argent comme pour la plupart des modèles conservés dans les musées (voir par exemple le bâton du maréchal de Lattre au Musée de l’Armée, inv. no. 994.94).
Notre bâton de maréchal est en réalité un modèle de remplacement réalisé afin de faciliter sa maniabilité. En effet, blessé lors de la première guerre mondiale au bras droit, le maréchal Juin aurait reçu un deuxième exemplaire légèrement plus petit pour une meilleure prise. Le modèle originel, offert par le Maroc et remis par le président de la République Vincent Auriol le 14 juillet 1952, est exposé aujourd’hui au Musée de l’Armée (inv. no. Cc 24411). Toutefois, c’est notre bâton proposé en vente que le maréchal Juin arborait fièrement lors de cérémonies officielles comme en témoignent plusieurs photographies d’époque. Ainsi, nous pouvons apercevoir le maréchal Juin accompagné de notre bâton honorifique lorsqu’il remet au général Carpentier la Grand-croix de la légion d’honneur le 21 avril 1956 ou lors de l’inauguration d'une plaque commémorative au souvenir des goumiers marocains dans la cour des Invalides en février 1961. Ces documents permettent d’attester que notre bâton a bien été réalisé à la même époque que celui remis officiellement en 1952.

Notre bâton comporte plusieurs inscriptions qui nous renseignent sur son histoire. Sur une des viroles d’or, figure la célèbre devise des maréchaux de France : « Terror Belli, Decus Pacis » (« Terreur pendant la guerre, ornement pendant la paix »). Sur l’autre virole d’or est inscrit le message suivant : « AU MARECHAL JUIN / LE MAROC RECONNAISSANT », accompagné de l’étoile du Maroc sur son extrémité. Cette partie s’ouvre et l’intérieur du bâton recèle une lettre d’hommage du Maroc sur parchemin daté du 15 juillet 1952, témoignant des liens étroits entre le maréchal Juin et ce pays dont il devient Résident Général en 1947.
Le Maréchal Juin (1888-1967)
Le maréchal Juin est un de nos grands héros nationaux ayant participé aux deux conflits mondiaux. Né en 1888 à Bône (Algérie), ce pied-noir et major de la promotion Fez de Saint-Cyr en 1912 (la même promotion que le général de Gaulle) a combattu au Maroc jusqu’en 1914, puis sur le front français en compagnie des tabors marocains, perdant l’usage de son bras droit au cours de la bataille de la Marne en 1915. Aide de camp du général Lyautey, il est nommé ensuite général de brigade en 1938, puis commandant en chef des forces d'Afrique du Nord. Il se rallie au général Giraud et participe avec ses troupes à la victoire des Alliés en Afrique du Nord, combattant les Afrikakorps d’Erwin Rommel, avant d’envoyer ses hommes en Italie où, par la victoire décisive du Garigliano en 1944, l’armée française retrouve son prestige, permettant aux Américains d’avancer vers Rome. Remplissant les fonctions de Chef d'Etat-Major de la défense nationale, Juin retourne ensuite au Maroc en assumant la haute fonction de Résident Général de 1947 à 1951. Il y poursuit la même politique de pacification commencée par Lyautey, voulant sauver le protectorat français en s’opposant au sultan du Maroc, Mohammed V. Recevant le bâton de Maréchal le 14 juillet 1952, il est aussi élu à l’Académie Française le 20 novembre 1952. Les dernières années de sa vie sont perturbées par les guerres d’Algérie – son pays natal – et il s’oppose publiquement à la politique algérienne d’autodétermination prônée par le général de Gaulle. Il repose aujourd’hui aux Invalides, après avoir eu droit à des funérailles nationales le 19 février 1967, ultime hommage rendu au Maréchal et à ses grandes batailles livrées contre les Allemands.
Les Maréchaux de France
Le titre de maréchal était conféré à un officier général ayant commandé une armée à la victoire. Il s’agit de la plus haute distinction militaire française depuis la suppression de la dignité de connétable de France en 1627. Ce titre a été créé en 1185, comptabilisant depuis son origine 331 maréchaux de France. Le premier maréchal de France fut Albéric Clément, nommé par le roi Philippe Auguste. Toutefois, c’est Louis XIV qui donna à ce titre sa signification actuelle en récompense de hauts faits militaires. Supprimé durant la Révolution, cette dignité fut rétablie par Napoléon en 1804, récompensant près de 26 maréchaux dont les célèbres Murat et Ney. Le maréchalat fut ensuite mis de côté à la suite de la grande défaite de 1871. Elle renaît au cours de la IIIe République, en particulier après la première guerre mondiale, récompensant au total huit maréchaux dont Pétain et Foch en 1918. Après la seconde guerre mondiale, quatre maréchaux ont également été nommés : Juin, Leclerc, De Lattre et Koenig. Le dernier maréchal à avoir été élevé à cette dignité de son vivant est le maréchal Juin dont nous présentons aujourd’hui l’emblématique bâton en vente.

Lot 1016. Tube de rouge à lèvres émail et diamants, Boucheron, circa 1952; 7.0 x 1.5 cm, 60.25 g. Estimate EUR 2,000 - EUR 3,000 (USD 2,366 - USD 3,549). © Christie's Images Ltd 2020.

Figurant un bâton de maréchal, le corps en émail bleu (accident) ponctué d'étoiles centrées de diamants ronds, l'une des extrémités ornée de la lettre "B", or 18K (750), poinçon français, signé Boucheron Paris, poinçon de maître de Pierre Brun.

Provenance: Marie-Cécile Bonnefoy (1902-1982), épouse du maréchal Juin ;
Puis par descendance jusqu’au propriétaire actuel.

Note: Ce tube de rouge à lèvres est un clin d’œil au bâton du maréchal Juin remis en 1952. Reprenant la même forme cylindrique avec les fameuses étoiles d’or sur fond bleu roi, ce précieux et unique exemplaire en miniature a appartenu à la femme du maréchal Juin, Marie-Cécile Bonnefoy (1902-1982), mariée à Alphonse Juin (1888-1967) le 26 décembre 1928. La symbolique martiale inhérente au bâton de maréchal est ici détrônée par celle de l’amour et de la beauté, dans une symbiose esthétique rappelant poétiquement l’union de Mars et Venus.
Maison de haute joaillerie française qui existe depuis plus de 160 ans, la maison Boucheron est la plus ancienne maison de joaillerie installée sur la prestigieuse place Vendôme. Fondée en 1858 à la galerie de Valois sous l’arcade du Palais Royal à Paris par Fréderic Boucheron (1830-1902), elle déménage à son emplacement actuel – 26 place Vendôme – en 1893. La maison Boucheron est une icône du luxe et du raffinement français qui a accompagné l’histoire et l’évolution du goût artistique du milieu du XIXe siècle jusqu’à nos jours. Elle a su créer des œuvres particulièrement audacieuses et originales telles que notre tube de rouge à lèvres en forme de bâton de maréchal de France proposé en vente.

Another highlight:

Lot 1021. Bénitier en corail de Trapani et cuivre doré, Sicile, première moitié du XVIIe siècle. H.: 71 cm. (28 in.) ; L.: 44 cm. (17 1/3 in.). Estimate EUR 100,000 - EUR 200,000 (USD 118,288 - USD 236,577). © Christie's Images Ltd 2020.

Simulant la façade d'une église baroque à décor couvrant d'un parement de corail en rinceaux et bossages divers, guirlandes et putti en rondebosse et haut relief, à trois niveaux d'élévation : les deux premiers soutenus par des doubles colonnes torses dégagées et coiffées de chapiteaux corinthiens, le dernier sommé d'un fronton entrecoupé et souligné par une balustrade, le portail surmonté de deux anges formant autrefois une niche, orné d'un Dieu Rédempteur inscrit dans une gloire associée sur un fond de lapis lazuli restauré, le bénitier en partie basse, hémisphériqe et soutenu par deux anges ; la disposition de la niche centrale transformée, petits manques et remplacements.

Note: Ce sublime « acquasantiera » en corail de Trapani est sans doute le plus beau jamais présenté. Dans la dense bibliographie consacrée aux ouvrages des XVIIème et XVIIIe siècle, pas un exemple recensé ne peut rivaliser : en harmonie, en taille, en maitrise… tant dans la sculpture que dans l’organisation générale du décor, cet ouvrage de dévotion privée, d’un luxe fabuleux, se révèle littéralement exceptionnel.
Il faut comprendre pour apprécier la beauté de cette œuvre que le corail est, à l’époque du florissement des ateliers trapanais, un matériau magique. C’est Ovide qui nous livre le secret de sa naissance. Le poète romain raconte que lorsque Persée décapita la Gorgone Méduse, le sang qui coula de sa tête fut pétrifié et changé en corail. Suivant le glissement fréquent du mythe antique au mystère chrétien, le corail devient dans l’iconographie catholique symbole du sang du Christ et de la Rédemption. De là lui sont attribués des propriétés magiques. Utilisé en talisman, on lui prête volontiers une fonction apotropaïque, on lui reconnaît le pouvoir de résoudre les problèmes de saignement, de fertilité et même à la Renaissance, le don de détecter le poison dans la nourriture.
Ce corail « Corallium rubrum » a par conséquent toujours été un matériau très prisé que l'on utilise aussi bien dans sa forme naturelle que sculpté pour créer des objets d’art complexes. La production d'œuvres d'art en corail est documentée à la Renaissance dans plusieurs centres européens, dont Landshut en Bavière, l’Espagne et la Sicile. Du fait de sa rareté, de ses vertus et de l’intérêt grandissant pour les sciences naturelles en Europe, le corail devient un des matériaux les plus appréciés pour la création d’objets d’art destinés aux cabinets de curiosités princiers. Plusieurs chefs-d’œuvre de la Renaissance, objets de cour du plus grand apparat, arborent des branches de ce fascinant squelette animal sous-marin. On pense immédiatement à l’usage merveilleux qu’en fit Wenzel Jamnitzer, célèbre orfèvre de Nuremberg, pour symboliser la métamorphose de sa Daphné en argent. (Musée National de la Renaissance, Ecouen .N° Inv. E.Cl.20750)
Le plus fameux des centres de production d’œuvres en corail, par sa qualité et sa finesse d'exécution, est Trapani, petite ville en bord de mer sur la côte Ouest de la Sicile. Elle doit son essor à la Cour du Vice-Roi qui commande aux artisans toutes sortes de fantaisies. La production de Trapani se caractérise par l’emploi de petits éléments de corail sculptés de différentes formes, montés ensuite sur des supports de cuivre doré et parfois associés à des émaux afin d’obtenir des effets variés. Par sa position géographique et ses riches ressources naturelles incluant de grands récifs coralliens, Trapani devient l’un des principaux ports commerciaux de la Méditerranée. La croissance d’une classe prospère de marchands, alliée à un riche clergé, contribue au développement à grande échelle de l’orfèvrerie et du travail du corail dès le XVIème siècle. L’installation en 1628 dans la ville de la guilde des artisans du corail, le Arte dei corallari, témoigne de la forte demande pour ces objets.
Les objets en corail, majoritairement religieux, tels que les crucifix, les capezalle, les monstrances, les objets et vêtements liturgiques, les bénitiers et les autels, étaient surtout acquis par les trésors des églises, tandis que les objets profanes, tels que les cadres de miroirs, les tazze ou les vases, les objets usuels et le mobilier miniature étaient acquis par les cours et les membres de la noblesse. Le corail, considéré comme précieux et rare au XVIème siècle, était offert en tant que cadeau diplomatique à travers les cours européennes.
Ce bénitier peut être comparé, soit à celui de la Collection Doria Pamphilj (A. Daneu, L’arte trapanese del corallo, 1964, T. V) soit à celui répertorié dans le même ouvrage comme d’une collection privée (T. VIII). Notre bénitier toutefois est probablement réalisé un peu après, au milieu du XVIIème siècle. L’ampleur de l’architecture, tout à fait typique des façades d’églises de la Contre-Réforme, sa tridimensionnalité plus aboutie attestent d’une grande maîtrise de l’exercice. La sculpture est minutieuse, pleine de souplesse : le Christ en gloire et les deux anges qui surmontent la niche à la manière d’un tabernacles sont traités avec dextérité, comme chacun des ornements. Dans un même temps, les doubles colonnes dégagées, véritable tour de force, le fronton entrecoupé et l’ingénieuse utilisation du corail pour former le bossage confèrent, au-delà des motifs et du vocabulaire ornemental, une vraie force architecturale à ce bénitier. C’est là que réside sans doute toute la séduction de ce chef d’œuvre qui sait allier préciosité et monumentalité.

Bénitier en Trapani, collections Doria Pamphilj.

The Collector : Le Goût Français celebrates the art of collecting through a selection of works from private French and European collections. The highlights of this extraordinary sale include the creations of the greatest names of the 20th century, such as Bagues, Jansen, Henri Samuel ou Georges Geffroy. Following the Exceptional Sale's lead, this sale presents both major pieces but also more affordable lots illustrating the history of styles and interior design.

Formerly in Karl Lagerfeld's collection, a beautiful console from the beginning of the Louis XVI style, in limewood and molded softwood, sculpted and golden, will be one of the key lots of the sale (estimate €60,000 - 100,000). Dating from about 1770, this console is close to the à la grecque style, in fashion in Paris at the time, which designated the then pioneering and modernist furniture which reclaimed its roots from Antiquity.

Lot 157. Console du début de l'époque Louis XVI, vers 1770. H.: 88,5 cm. (35 in.) ; L.: 160 cm. (63 in.) ; P.: 79 cm. (31 in.). Estimate EUR 60,000 - EUR 100,000 (USD 70,973 - USD 118,288). © Christie's Images Ltd 2020

En tilleul et résineux moulurés, sculptés et dorés, le dessus de marbre brèche violette restauré, la ceinture présentant une frise de larges feuilles d'acanthe interrompue en façade par un ressaut orné d'un entrelacs feuilagé et retenant une large chute de guirlande de laurier, les pieds fuselés, cannelés et rudentés de tiges de jonc perlées.

Provenance: Vente Sotheby’s, New York, 27 octobre 1995, lot 330;
Collection Lagerfeld, vente Christie’s, Monaco, 28-29 avril 2000, lot 39.

Note: Le retour au goût classique en réaction aux excès du rocaille prend naissance dans les années 1750 en plein règne de Louis XV. Alors que certains architectes tels que Blondel ou Contant d’Ivry prônent un modernisme mesuré, d’autres tels que le peintre Louis-Joseph Le Lorrain ou des érudits tels que le comte de Caylus se plaisent à une relecture extrême et épurée de l’art antique. Le comte de Caylus (1692-1765), homme de Lettres passionné d’antiquités, parait comme l’un de ces précurseurs. Le choix fait dans ses collections d’un cénotaphe romain de porphyre datant du IIe siècle, pour en faire son tombeau dans l’église Saint-Germain-l’Auxerrois, est à mettre directement en lien avec ce renouveau et les sources antiques qui ne tardent pas à être réinterprétées. La commande du collectionneur Ange-Laurent Lalive de Jully (1725-1779) est également d’une grande importance. Financier passionné des Arts, introducteur des ambassadeurs de Louis XV à partir de 1756, il passa commande d’un ensemble de meubles précurseurs composé d’un bureau, de son cartonnier, un coquiller, un fauteuil et un encrier (A. Forray-Carlier, Le mobilier du château de Chantilly, Dijon, 2010, n. 10, p. 57). Son portrait par Jean-Baptiste Greuze conservé à la National Gallery of Art de Washington présente deux de ces créations novatrices : le fauteuil à haut dossier et le bureau plat. L’impact du modernisme de ce mobilier, dont le bureau se trouve actuellement conservé au château de Chantilly suite à un achat du duc d’Aumale, fut immense. Certains commentateurs parlèrent de création « à la grecque », expression désignant alors, d’une manière générale, tout ce qui se réclamait de l’antiquité. Le Lorrain s’était vu confier cette réalisation et il peut être considéré comme l’un des chantres de ce style naissant. D’autres, tels que le graveur, historien et collectionneur Pierre-Jean Mariette, firent aussitôt référence au grand style d’André-Charles Boulle, établissant un lien avec les créations louis-quatorziennes. Cette dénomination « à la grecque » eut un très large succès et qualifie cette mode qui déferla sur Paris durant toute la décennie des années 1760. Ainsi, Lalive, lui-même, s’en plaignit dans le Catalogue Historique qu’il publia en 1764, précisant que même les devantures des boutiques se faisaient maintenant dans cette mode. Les gravures humoristiques du peintre Alexandre Petitot dans la Mascarade à la grecque dénoncent parfaitement ces excès (A. Petitot et B. Bossi, Mascarade à la grecque, Parme, 1771).
Notre console est à rapprocher du bureau emblématique de Lalive de Jully, conservé à Chantilly (Catalogue exposition, 18e aux sources du design, chefs-d’œuvre du mobilier 1650-1790, Château de Versailles, 2015) avec les même guirlandes tombantes caractéristiques dites « en corde à puits »

An elegant fall front desk from the Transition period, signed by Pierre Macret (estimate €30,000 - 50,000), will also mark the sale The Collector: le Goût Français. In European varnish and lacquer, with a satin and amaranth veneer, this sumptuous piece symbolises the important attraction for precious and costly lacquers, which worth and beauty were emphasized by the merchants of the middle of the 18th century. Decorated with gilded and chiseled bronze, and overhung by Breche d'Alep marble, this cabinet presents on its facade a scenery of gallant scenes and lake dwelling landscapes. It comes from the mythical collections of Sir Philip Sassoon, and thereafter of the Marquis of Cholmondeley, kept at the Houghton castle.

Lot 133. Secrétaire à abattant d'époque Transition, Estampille de Pierre Macret, vers 1760-1765. H.: 130 cm. (51 in.) : L.: 79 cm. (31 in.) ; P.: 39 cm. (15 ¼ in.). Estimate 30,000 - EUR 50,000 (USD 35,486 - USD 59,144). © Christie's Images Ltd 2020

En vernis européen et laque, placage de satiné et amarante et ornementation de bronze ciselé et doré, le dessus de marbre brèche d'Alepà décor de scènes galantes et de paysages lacustres, l'abattant découvrant quatre tiroirs et quatre compartiments, les deux vantaux en partie basse dévoilant une étagère, les chutes ornées de mufles de lio, les sabots en griffe, estampillé MACRET sur le coté gauche, ; fentes verticales et manques au décor.

Christie’s Londres, 6 juillet 2006, lot 110. © Christie's Images Ltd

Another highlight:

Lot 86. Deux bureaux dits "Mazarin" d'époque Louis XIV formant paire, Attribués à Nicolas Sageot, premier quart du XVIIIe siècle. H. : 81 cm. (31 ¾ in.) ; L.: 122 cm. (48 in.); P.: 70,5 cm. (27 ¾ in.). H. : 76 cm. (30 in.) ; L.: 122 cm. (48 in.); P.: 70 cm. (27 ½ in.). Estimate: €60,000 - 100,000 (USD 70,973 - USD 118,288). © Christie's Images Ltd 2020.

En marqueterie Boulle de laiton gravé et d'écaille de tortue caret, et ornementation de laiton, le premier en première partie, le second en contrepartie, à décor à la Bérain, les caissons latéraux reposant chacun sur quatre pieds en console réunis par des entretoises en X ; anciennes restaurations et soulèvements, une astragale associée.

Provenance: Probablement baron Mayer Amshel de Rothschild (1818-1874), Mentmore Towers, Buckinghamshire ;
Puis probablement par descendance, sa fille, Hannah de Rothschild (1851-1890), comtesse de Primrose et épouse d'Archibald Primrose, Ve comte de Rosebery ;
puis par descendance, son fils, Albert Edward Harry Meyer Archibald Primrose, VIe comte de Rosebery (1882-1974) ;
puis collections Rosebery au château de Mentmore; vente Sotheby Parke Bernet, 18 mai 1977, lots 494 et 512.